Das Bildnis der Ginevra de’ Benci ist ein Renaissance Gemälde, das Leonardo da Vinci zugeschrieben wird. Es wird auf 1474 bis 1478 datiert. Dargestellt wird die Florentiner Bankierstochter Ginevra de’ Benci vor einem Wacholder in einer Landschaft mit Siedlung. Das Gemälde befindet sich in der National Gallery of Art in Washington D.C.
VIRTUTEM FORMA DECORAT
Wer das Gemälde ohne Kenntnis der Geometrie untersucht, muss es für ein Werk Leonardos halten. Zu stichhaltig sind dann die Argumente.
Das Gesicht erscheint zweigeteilt. Das wird klarer wenn es mal auf der linken, mal auf der rechten Seite abgedeckt wird (Mouseover).
Wird zusätzlich noch das linke Auge abgedeckt (Mouseover rechte Seite) entsteht der Eindruck von drei verschiedenen Perspektiven eines Kopfes
Ein geometrisches System führt zu Schablonen, die die drei verschiedenen Ansichten des Gesichts aufzeigen (Mouseover, Bildwechsel alle vier Sekunden)
Rückseite: Markante Punkte des Emblems sind in einem klaren geometrischen System angeordnet. Rote, grüne und blaue Linie formen ein Dreieck mit den symbolischen Innenwinkeln von 45°, 60° und 75°. Die weiße Ellipse am Spruchband ist ein um 45° gekippter Kreis. Die gelbe Linie wird von der blauen im goldenen Schnitt geteilt
Rückseite: Der Wacholder befindet sich nicht exakt in der Mitte. Es wird daher angenommen, das Gemälde sei beschnitten. Der rote Bereich erweitert hier das Bild so, dass der Wacholder in der Mitte ist.
Durch exakt diese Verbreiterung ergeben sich auf der Vorderseite weitere interessante geometrische Beziehungen. Ein Beispiel dafür ist der goldene Schnitt der Bildbreite durch das linke Auge der Ginevra (orange Linie), der die Konstruktion eines Hexagramms impliziert (blaues und gelbes Dreieck).
Zwei Hügel der Landschaft sind deutlich als Kreisausschnitte erkennbar. Ihre Mittelpunkte führen zu zwei Kreisen die einmal genauso groß bzw. genau doppelt so groß sind, wie der Kreis um Ginevras Kopf.
Durch Muster in Ginevras Dekolleté lässt sich in der Folge ein Hilal mit fünfeckigem Stern konstruieren, dem Symbol des Islams
Linker unterer Quadrant: Das Doppelbild eines Porträts im Wacholder blickt mit scharfem Blick exakt horizontal auf die Kirchturmspitze im Bildhintergrund (roter Punkt). Der blaue Hügel am Horizont ist ebenfalls ein Kreisausschnitt. der Mittelpunkt des Kreises entsteht am Schnittpunkt der Verlängerung der Kirchturmspitze nach unten bzw. der Vertikalen vom Schnittpunkt der Kreise der beiden vorderen Hügel (Mouseover).
Durch die Einfarbigkeit des blauen Hügels wirkt er wie eine gewaltige Flutwelle, die das Dorf im Bildhintergrund mitzureißen droht. Diese Szene hat einen politischen Charakter.
Linker oberer Quadrant: Das Doppelbild eines bärtigen Mannes im Wacholder, der seine Hände formend um die Ginevra legt. Die Tugend dekoriert die Schönheit (lt. VIRTUTEM FORMA DECORAT). Die Szene nimmt so Bezug auf den Sinnspruch der Rückseite. Es erklärt sich nun, warum die Ginevra so steif wirkt, beinahe wie eine Statue aus Marmor. Sie ist das Objekt des sie formenden Künstlers, ein behauender Stein.
Die Schulter ist ebenfalls ein Kreisausschnitt eines genau 3mal so großen Kreises, wie der um Ginevras Kopf. Das Porträt im Wacholder blickt exakt im 45° Winkel auf dessen Mittelpunkt (Mouseover)
Ein Liebespaar in einer Landschaft unter einem Baum spaziert entlang eines Tales auf ein Dorf zu. Der Mann wendet sich ihr zu. An Ginevras Dekolleté formen zwei Kreisbögen einen stilisierten Vogel. Es handelt sich ebenfalls um Kreisausschnitte (Mouseover). Ihre Konstruktion wird in der nächsten Animation dargestellt
Die Herleitung von Mittelpunktlinien eines Sechszehnecks um Ginevras Kopf ergibt sich aus den Mittelpunkten der bereits bekannten Rundbögen im Gemälde (gestrichelte Linien). Neu hinzugekommen sind die Kreise zu den Kreisbögen um Ginevras Dekolleté (blauer und grüner Kreis). Beide sind exakt so groß wie der Kreis um Ginevras Kopf.
Insgesamt sind so sieben Kreise entstanden. Vier davon sind exakt so groß wie der Kopf, dazu je einer 2mal, 3mal und 4mal so groß. Die geometrischen Bezüge mögen zunächst wild erscheinen, doch besitzt die Konstruktion eine außergewöhnliche geometrische Ästhetik
Zusammenführung: Es ist nun klar, dass alle verwendeten Symbole in einem kulturellen Kontext stehen. Sie lassen sich gemäß ihrer geometrischen Konstruktion und der Chronologie ordnen: Eine ägyptische Pyramide, davor ein Davidstern, dann das für die antiken Griechen bedeutungsvolle goldene Rechteck, ein christliches Kreuz, eine islamische Hilal (Mondsichel) und schließlich das Auge Gottes im Dreieck mit Strahlenkranz, ein Symbol der Aufklärung des 18.Jh. (allsehendes Auge).
Leonardo da Vinci († 1519) kann das allsehende Auge jedoch noch nicht gekannt haben. Es ist erstmals 1682 nachweisbar. Der Maler des Porträts hingegen hat große Mühe darauf verwendet, es über die Bildgeometrie zu konstruieren
Bildnis der Ginevra de’ Benci
Leonardo da Vinci zugeschrieben
1474-1478
Öl auf Holz
37,1cm x 42,7cm x 1,1cm
(in der Höhe sind nur 38cm sichtbar, da ein unterer Teil durch die Rahmung verdeckt ist)
National Gallery of Art, Washington D.C., USA
Bei der Dargestellten soll es sich um Ginevra de’ Benci handeln.
Ginevra de’ Benci wurde 1457 in Florenz geboren. Über ihre Mutter ist nichts bekannt. Vermutlich ist sie noch im Kindbett gestorben.
Ginevra war väterlicherseits die Enkelin des schwerreichen Florentiner Bankiers Giovanni di Amerigo di Simone de' Benci (1394-1455). Er hatte sich innerhalb des Florentiner Geschäftsimperiums der Medici vom einfachen Buchhalter bis zum Partner des Firmen-Patriarchen Cosimo de 'Medici hochgearbeitet. Bei seinem Tod hinterließ Giovanni de' Benci seinem Sohn Amerigo das zweitgrößte Vermögen in Florenz, gleich nach dem der Medicis.
Ginevras Vater Amerigo Benci (1431-1474) trat zunächst in die Fußstapfen seines Vaters und leitete von 1455 bis ca. 1463 die Medici-Bank in Genf. In diese Zeit fällt die Geburt Ginevras. Der italienische Name von Genf lautet Ginevra.
Amerigo Benci gab das Bankgeschäft bald auf und zog wieder nach Florenz, wo er eine Stelle als Prior annahm und sich seitdem als Kunstmäzen betätigte.
Ginevras Vater starb 1474 mit nur 43 Jahren. Kurz danach verlobte sich die sechszehnjährige Ginevra mit dem 34-jährigen Kaufmann und Witwer Luigi di Bernado di Lapo Niccolini (*1440).
Die Niccolinis waren eine alteingesessene Florentiner Kaufmannsfamilie, die vor allem im Stoffhandel tätig war (Seidenhandel). Sie waren aber auch politisch aktiv. Aus der Familie gingen zahlreiche Mitglieder der einflussreichen Florentiner Stadtregierung hervor. Sie galten als Gefolgsleute der Medici.
Ginevra de' Benci war zum einen für ihre Dichtkunst bekannt, zum anderen war sie wegen ihrer Schönheit selbst Gegenstand von Gedichten und hatte viele Verehrer. Der legendäre Florentinische Staatsmann Lorenzo de' Medici (Der Prächtige) und sein Umfeld (Cristoforo Landino, Alessandro Braccesi) widmeten ihr einige Sonette.
Auch der damals sehr bekannte venezianische Diplomat Bernardo Bembo zählte zu ihrem Verehrerkreis. Er war ab Januar 1475 in der Republik Florenz tätig. Bernardo war zu dem Zeitpunkt Anfang vierzig, verheiratet, hatte einen Sohn und eine Mätresse. Er hatte zuvor am deutschen Kaiserhof in Brügge als Diplomat gearbeitet. In Brügge befand sich auch eine der ausländischen Niederlassungen der Medici Bank.
Der vielgereiste Bernardo Bembo war ohne Zweifel ein Mann von Welt und muss auf die jugendliche Ginevra großen Eindruck gemacht haben. Als sie ihn kennenlernte, wurde er ihr platonischer Verehrer. Sie schrieben sich Briefe und tauschten Gedanken und Gedichte aus. Auch wenn es Gerüchte über eine Liebesbeziehung gab, wurde doch stets die Tugend der Ginevra gerühmt. Bernardo verließ Florenz nach eineinhalb Jahren im April 1476 und kehrte im Juli 1478 nochmals für zwei Jahre zurück, bis er die Stadt im Mai 1480 endgültig verließ.
Die vorgeblich platonische Beziehung der beiden war wohl Anlass für Klatsch und Tratsch, wie einem zeitgenössischen Gedicht des Florentiners Cristoforo Landino zu entnehmen ist.
In einer Steuererklärung von 1480 spricht Ginevras Ehemann von den hohen Kosten, die eine längere Krankheit seiner Frau verursachte. Aufgrund des zeitlichen Zusammenhangs ist es möglich, dass ihr Leiden mit der Abreise von Bernardo Bembo im Zusammenhang stand. Sie soll sich nach überstandener Krankheit aufs Land zurückgezogen haben. Lorenzo de Medici widmete ihr später zwei Sonette, in denen er sie tröstet und bittet nicht zurückzublicken.
Nach 1480 sind keine Quellen bekannt, die Ginevra de' Benci als aktives Mitglied der Florentiner Gesellschaft erwähnen.
Ginevra de' Benci starb 1520 im Alter von 63 Jahren. Ihr Ehemann Luigi di Bernado di Lapo Niccolini starb bereits 1505. Ihre Ehe blieb kinderlos.
Die Zuschreibung des Gemäldes an Leonardo da Vinci gilt als strittig. Dabei wird hauptsächlich mit stilistischen Merkmalen argumentiert. So fehlt das für Leonardo typische Sfumato, auch fehlt der Figur jeder Ausdruck von Lebendigkeit.
Befürworter einer Autorschaft Leonardos führen an, dass Leonardo noch sehr jung war, als er das Gemälde erschuf. Leonardo war zu der Zeit um die 22 Jahre alt. Er soll das Werk unter dem Einfluss der niederländischen Meister gemalt haben, von denen einige Porträts in der Werkstatt seines Lehrmeisters Verrocchio bekannt waren. Dadurch soll sich z.B. die für Leonardo so untypische Blässe der Haut erklären lassen.
Auch einige weitere Merkmale erwecken sofort den Eindruck, es sei ein Werk Leonardos. Die wirbelnde Darstellung der Locken ist leonardesk. Der thematische Fokus auf die Landschaft und die Natur ist ebenso typisch für Leonardo. Er entdeckte die Luftperspektive, also dass die Landschaft zum Horizont hin immer blauer wird. Auch dies ist zu erkennen. Insgesamt erweckt das Gemälde den starken Eindruck, es handele sich um ein Werk Leonardo da Vincis.
Das Gemälde soll zwischen 1474-1478 in Florenz entstanden sein. Zu dieser Zeit war der 22-26jährige Leonardo da Vinci bereits ein vollwertiges Mitglied der Malergilde von Florenz und hätte bereits als selbstständiger Maler tätig sein können. Er entschloss sich aber bis ca. 1478 in den Diensten seines Lehrmeisters Verrocchio zu bleiben. Die Gründe dafür sind unbekannt. Vermutlich scheute Leonardo den Schritt aufgrund der hohen Anzahl an Wettbewerbern.
Andrea del Verrocchio fertigte um 1475 die Büste einer Florentiner Dame, genannt die Dama col Mazzolino (Dame mit Blumenstrauß). Sie ist dem Porträt der Ginevra de’ Benci in Frisur und Kleidung auffallend ähnlich.
Einige Autoren nehmen an, Leonardo habe mit dem Bildnis der Ginevra de' Benci einen Wettstreit mit seinem Lehrmeister Verrocchio ausgetragen. Er hat ihm demnach mit dem Bildnis aufzeigen wollen, dass die Malerei in ihren Ausdrucksmöglichkeiten der Bildhauerei weit überlegen ist. Dieser Paragone genannte Wettstreit über die Rangfolge der Künste war eine jahrhundertealte Thematik, mit der sich Leonardo da Vinci Zeit seines Lebens auseinandersetzte. Berühmt wurde vor allem sein Disput mit Michelangelo in dieser Frage.
Über den Anlass des Gemäldes gibt es zwei Theorien.
Es galt lange Zeit als wahrscheinlich, dass das Gemälde anlässlich der Verlobung Ginevra de’ Bencis mit Luigi Niccolini durch deren Familien in Auftrag gegeben worden ist. Dann wäre es um 1474 entstanden. Um ein Hochzeitsbild kann es sich hingegen nicht gehandelt haben, da Luigi Niccolini nicht mit abgebildet wurde, bzw. kein zu Ginevras Porträt passendes Gemälde von ihm existiert.
Einer zweiten Theorie nach wurde das Bildnis durch Bernardo Bembo in Auftrag gegeben. Er hielt sich von 1475-1476 in Florenz auf und kehrte 1478-1480 nochmal für zwei Jahre zurück. Dies ist der Grund, warum einige Autoren das Gemälde auf 1478 datieren.
Dass das Gemälde mit Bernado Bembo in Verbindung steht, lässt die Bemalung der Rückseite vermuten. Der umrahmte Wacholderzweig, italienisch Ginepro, kann als Wortspiel zu Ginevra gedeutet werden. Außerdem verweist die übrige Symbolik auf Bernado Bembo. Er benutzte genau diese Darstellung von Lorbeerzweig und Palmblatt für sein persönliches Siegel. Es ist aus zweien seiner persönlichen Bücher bekannt.
Bei einer Infrarotuntersuchung wurde festgestellt, dass das Motto der Rückseite ursprünglich VIRTU(E?) und HONOR (dt. Tugend und Ehre) lautete, aber später übermalt wurde. VIRTUS ET HONOR war das persönliche Motto von Bernardo Bembo.
Die Spur des Gemäldes verliert sich bereits zu seiner Entstehung. Es existieren keine Dokumente zur Beauftragung des Gemäldes. Das Gemälde wird in zeitgenössischen Quellen auch sonst nicht erwähnt. Das ist erstaunlich für das brillante Werk des jungen Leonardo, denn es ist seiner Zeit stilistisch weit voraus. Es verwundert, dass ein qualitativ derartig herausragendes Porträt der gesellschaftlich bestens vernetzten Ginevra keine Aufmerksamkeit erhielt.
Die erste Erwähnung erfolgt erst 20 Jahre nach Leonardos Tod. 1540 heißt es im anonymen Text des Codex Anonimo Magliabechiano nur knapp: "In Florenz malte er nach der Natur das Porträt von Ginevra d'Amerigo Benci, das so gut ausgeführt war, dass es nicht als Porträt, sondern als Ginevra selbst erschien“.
1550 bezog sich der erste Leonardo Biograf Vasari auf den Anonimo Magliabechiano und schrieb ebenfalls sehr kurz: "Leonardo portraitierte die Ginevra d'Amerigo Benci, ein sehr schönes Werk“. Bis 1733 sind dies die beiden einzigen Quellen, die von der Existenz des Gemäldes zeugen.
Das auffällige rote Siegel in der rechten oberen Ecke auf der Rückseite des Porträts trägt das Wappen des Hauses Liechtenstein. Drumherum die Inschrift „LIECHTENSTEIN 18 CH. VORMUNDSCHAFFTS SIG II. 1733 HOC[unleserlich]“.
Das rote Siegel ist speziell, denn es sagt etwas über die Besitzverhältnisse vor 1733 aus. Dieses Siegel wurde nur für Gemälde verwendet, die zur Galerie des Fürsten Johann Adam (1657-1712) gehörten. Johann Adam starb 1712, also muss das Gemälde noch davor erworben worden sein.
Fürst Johann Adam sammelte jedoch hauptsächlich die prächtigen Gemälde des italienischen Barock. So ist es wahrscheinlicher, dass bereits sein Vater Fürst Karl Eusebius (1611-1684) das Porträt erwarb, da er kleinere Gemälde bevorzugte. Beide Fürsten reisten öfter nach Florenz und könnten das Porträt dort von privater Hand erworben haben.
Das rote Siegel schließlich wurde 1733 zur Regierungszeit von Fürst Josef Wenzel aufgebracht, der von 1732-1745 die Vormundschaft für den minderjährigen Johann Nepomuk Karl ausübte. Darauf bezieht sich die Inschrift auf dem Siegel.
Auch wenn das Werk durch das Siegel auf die Zeit vor 1733 datiert werden kann, erfolgt die erste schriftliche Erwähnung erst im Jahr 1780. Es wird im offiziellen Katalog der Sammlung Liechtenstein erwähnt, jedoch der Werkstatt von Lucas Cranach († 1553) zugeschrieben. Es befand sich zu diesem Zeitpunkt auf Schloss Feldsberg (heute Valtice/ Tschechien), das bis 1945 Hauptsitz des Fürstenhauses Liechtenstein war.
Ab 1805 wurde das Porträt der Ginevra de' Benci zusammen mit anderen Gemälden der Sammlung Liechtenstein im Gartenpalais in Wien öffentlich ausgestellt. 1944, kurz vor Ende des Zweiten Weltkrieges wurde das Porträt mit dem Rest der Wiener Sammlung nach Schloss Vaduz gebracht. Vaduz ist die Hauptstadt des Fürstentums Liechtenstein.
1967 verkaufte Fürst Franz Josef II. das Gemälde für 5 Millionen Dollar an die National Gallery of Art in Washington D.C. Dadurch wurde das Bildnis der Ginevra zum bis dahin teuersten verkauften Gemälde der Welt.
Es gab bereits damals Zweifel an der Echtheit des Gemäldes. Die National Gallery of Art beauftragte 1966 den weltweit anerkannten Konservator Mario Modestini das Gemälde in Vaduz auf eine Autorschaft Leonardos hin zu überprüfen. Nach tagelanger Untersuchung hatte er keine Zweifel an der Echtheit. Nach eigener Aussage verglich er das Werk anhand mitgeführter Fotografien anderer Leonardo Werke:
"Ich verbrachte viel Zeit damit, den Zustand des Bildes zu untersuchen [...] Am Ende der Untersuchung war ich davon überzeugt, dass das Bild zu 100% von ihm stammte [...] Eines der Dinge, die mich davon überzeugten, dass die Zuschreibung korrekt war, waren diese Haare. Sie sind genau so gestaltet, wie Leonardo die Wasserfälle gestaltet hat. Auf die gleiche Weise. So typisch für ihn. Das war wirklich der letzte Punkt. Ich sah es und sagte: Es gibt keinen Zweifel. Das ist von demselben Mann gemacht worden, der diese Zeichnungen gemacht hat" (Ginevras Story, Dokumentation 1999).
Finanziert wurde der Kauf aus den Mitteln des Ailsa Mellon Bruce Fonds. Ailsa Mellon Bruce war eine US-amerikanische Kunstsammlerin und Mäzenin. Als Tochter des schwerreichen Gründers der heutigen Bank of New York Mellon, Andrew W. Mellon, verfügte sie über ausreichende Mittel die National Gallery of Art mit zahlreichen Kunstschätzen auszustatten.
Am 08.02.1967 traf das Gemälde in Washington, D.C. ein und wird seitdem dort ausgestellt. 1991 wurde das Gemälde gesäubert, restauriert und erhielt eine neue Rahmung.
Heute ist das Bildnis der Ginevra de' Benci in der Gallery 6 im West Building der National Gallery of Art zu sehen. Es ist das einzige Leonardo-Gemälde, das sich außerhalb Europas befindet.
Der Bildhintergrund des Porträts wird von einem unnatürlich dunkel gemalten Wacholder dominiert, der die Ginevra fast vollständig umrahmt. Der Wacholder ist ein immergrüner sehr anpassungsfähiger und widerstandsfähiger Nadelbaum, der überall auf der Welt vorkommt. Er trägt einmal im Jahr bläulich schimmernde essbare Früchte, die Wacholderbeeren.
Es wird angenommen, dass die Verwendung des Wacholders auf den Vornamen Ginevras anspielt. Wacholder heißt im italienischen Ginepro. Daher wird der Wacholder als Symbolisierung der Ginevra verstanden.
Der Wacholder gilt aufgrund seiner immergrünen Eigenschaften weltweit als Symbol für das facettenreiche Leben in der Natur: das Erblühen der Schönheit, die Liebe und Nachkommen, das Altern und schließlich der Tod. Jede Kultur setzt dabei ihren Schwerpunkt. Manche betonen die immergrünen Eigenschaften und das Leben, andere das winterliche Sterben, das der immergrüne Wacholder an sich vorüberziehen sieht.
Der Wacholder im Gemälde erinnert den Betrachter – Bernardo oder ihren Mann Luigi – an die Facetten des Lebens während sie Ginevra betrachten.
Wird ein Wacholder Zweig von oben betrachtet, fällt auf, dass immer drei Nadeln zu einem gleichseitigen Dreieck wachsen. Jeder Zweite Trieb ist dabei um exakt 60° gedreht, so dass ein regelmäßiges Sechseck entsteht. Der Wacholder ist im Verständnis der Renaissance ein Symbol für die Tendenz der Natur zu Harmonie und Proportion.
Im Hintergrund der Landschaft sind drei Gebäude auszumachen. Es handelt sich von links nach rechts um eine Mühle, eine Kirche und eine Felsenburg.
Die Gebäude im Bildhintergrund haben eine politisch-symbolische Bedeutung und versinnbildlichen das feudale Ständesystem in Europa. Das Ständemodell wird auch als Ständepyramide bezeichnet:
Das Ständemodell hatte in Europa vom Mittelalter bis hin zur französischen Revolution im Jahr 1789 seine Gültigkeit. Danach wurde es zugunsten einer neuen demokratischen Weltordnung nach und nach abgeschafft.
Die Darstellung von Lorbeerzweig und Palmblatt auf der Rückseite des Gemäldes hat große Ähnlichkeit mit dem persönlichen Siegel des Bernardo Bembo (s. Auftraggeber des Gemäldes). Es zeigt ein persönliches Emblem (italienisch Imprese). Es soll durch Symbolik die bestimmenden Charaktereigenschaften eines Menschen aufzeigen. Eine Imprese ist immer verbunden mit einem meist lateinischen Wahlspruch. Durch die Symbolik und Sprache erschließt sich deren Bedeutung nur humanistisch Gebildeten und stellt insofern eine Abgrenzung zu weniger gebildeten Ständen dar.
Der Gott Apollon verliebte sich unsterblich in die Nymphe Daphne, die seine Liebe nicht erwiderte. Auf der Flucht vor Apollons Nachstellungen beflehte sie ihren Vater, den Flussgott Peneios, sie in etwas zu verwandeln, dass den Apollon weniger reizen würde als ihre anmutige Schönheit. Daraufhin erstarrte sie zu einem Lorbeerstrauch. Seither trug Apollon zur Erinnerung an sie einen Lorbeerkranz als Attribut. Apollon ist der Gott des Lichts und der Künste.
Im Zusammenhang mit der dargestellten Ginevra spielt der Lorbeer auf ihre Freude an der Dichtung an.
Daneben hat der Lorbeerkranz bis heute einen politischen Charakter. Vor allem antike griechische und römische Herrscher trugen ihn als Symbol des Sieges und des Ruhms. Auch wurde siegreichen römischen Feldherrn anlässlich ihres Triumphzuges in Rom ein Lorbeerkranz aufgesetzt. Dabei ging es den antiken Herrschern hauptsächlich darum, sich oder andere mit Apollon gleichzusetzen, dem lichtbringenden Gott.
Das Palmblatt hat grundsätzlich zwei symbolische Verwendungen, eine kulturelle und eine religiöse.
In vielen antiken Kulturen des Orients galt das Palmblatt aufgrund seiner Symetrie als Hochzeitssysmbol. Die paarweise Anordnung der Blätter spielt so auf die anstehende Verehelichung der Ginevra de' Benci an. Das Palmblatt wird von der Seite betrachtet dargestellt, so dass nur eine Hälfte zu sehen ist. Das halbe Palmblatt steht sinnbildlich für eine Hälfte des Verlobungspaares, also die Ginevra.
Daneben ist das Palmblatt hauptsächlich im Juden- und Christentum ein religiöses Symbol des Friedens. Die Juden feiern das ursprünglich als Erntefest angelegte Laubhüttenfest in Erinnerung an den Auszug aus Ägypten. Dafür werden Hütten aus Palmblättern errichtet.
In der christlichen Tradition erinnern die Palmblätter an den Einzug Jesu in Jerusalem zum Pessach Fest. Das jüdische Pessach Fest wird wie das Laubhüttenfest in Erinnerung an den Auszug aus Ägypten gefeiert. Das Volk legte aus Freude vor der Ankunft des Messias Palmwedel zu Jesu Füßen nieder. Mit dem Palmsonntag beginnt auch heute noch die Karwoche, an deren Ende die Kreuzigung und Auferstehung Jesu steht.
Das Symbol der Palme ist in jüdisch-christlicher Tradition also eng mit dem Auszug aus Ägypten bzw. der Passion Christi verbunden.
Werden Lorbeer und Palme wie auf der Rückseite des Porträts gleichrangig kombiniert, hat dies einen politischen Charakter. Der Lorbeer steht in seiner abgeleiteten Form für Sieg und Ruhm, die Palme ergänzt den dadurch erlangten Frieden. Dass der europaweit tätige Diplomat Bernardo Bembo diese Symbolik zu seinem Siegel machte, ist wenig überraschend.
Dass sein Symbol den kleineren (jüngeren) Wacholder umrahmt, der Ginevra symbolisieren soll, wird häufig als Anspielung auf eine intime Beziehung der beiden gedeutet.
Alle drei Zweige sind verbunden durch ein Spruchband. Die Inschrift auf der Banderole lautet VIRTUTEM FORMA DECORAT (lat. 'Schönheit ziert die Tugend') und bezieht sich auf die Ansicht des antiken Philosophen Platon, dass äußere Schönheit Ausdruck der inneren Tugend ist. Diese Ansicht wurde zur Zeit der Renaissance von dem außerordentlich beliebten Dichter Petrarca weiter popularisiert.
Sollte tatsächlich Bernardo Bembo der Auftraggeber des Gemäldes sein, würde das Spruchband den sittlichen, tugendhaften und platonischen Charakter seiner Beziehung zu Ginevra betonen. Weil sie schön ist, muss sie nach Platon auch tugendhaft sein und das würde eine Affäre mit dem verheirateten Bernardo Bembo ausschließen.
Porphyr wird, wie der Wacholder, sowohl auf der Vorderseite des Gemäldes als auch auf der Rückseite des Gemäldes gezeigt.
Porphyr ist ein Sammelbegriff für Gesteinsarten vulkanischen Ursprungs, die sich durch eine typisch purpurne Farbe mit farbigen mineralischen Einschlüssen auszeichnen. Obwohl heute kein besonders wertvoller Stein mehr, war Porphyr bis in das späte Mittelalter hinein ein seltener und teurer Rohstoff. In der römischen Antike wurde er nur in Ägypten abgebaut.
Aufgrund der purpurnen Farbe von Porphyr durfte das Material nur für Bildnisse römischer Kaiser verwendet werden. Noch im Mittelalter wurden die Kaiser des heiligen römischen Reiches in porphyrnen Särgen bestattet, wie das Grabmal von Kaiser Friedrich II. († 1250) in der Kathedrale von Palermo zeigt.
In Leonardos Umfeld waren es vor allem die Medici, die eine Vorliebe für Porphyr hatten. Dem Begründer des sagenhaften Reichtums der Medici, Giovanni di Bicci de’ Medici († 1429), wurde auf seinen Marmorsarg eine Platte gelegt, die von einer kreisrunden Porphyrplatte geziert wird.
Das im Gemälde verwendete Porphyr übernimmt vordergründig also eine repräsentative Aufgabe. Es soll das Selbstbewusstsein der reichen Florentiner Bürger demonstrieren, die sich so auf die, bis in die Antike zurückreichende, Tradition von Purpurfarben als Symbol von kaiserlicher Macht und Reichtum beziehen. Etwa 40 Jahre nach dem angenommenen Entstehungsjahr dieses Gemäldes wurde ein Medici das erste Mal zum Papst gewählt.
Diesem hochfürstlichen Anspruch genügt Ginevra de' Benci jedoch nur zum Teil. Ihr Vater war zwar Geschäftsführer der Medici Bank in Genf, ihr Großvater die rechte Hand des Patriarchen Cosimo di Medici, der Reichtum der de' Benci enorm, doch im Vergleich zu dem der Medici eher bescheiden, ihre politische Macht begrenzt. Der Porphyr scheint als Symbol von Macht und Reichtum daher übertrieben.
Porphyr wurde nicht nur für Grabmäler genutzt, es sind auch repräsentative Kaiserstatuen aus dem Material erhalten. Dennoch kann dem Porphyr in dem Gemälde eine gewisse totenkultische Symbolik analog zum Wacholder nicht abgesprochen werden. Dass er hauptsächlich auf der Rückseite des Gemäldes abgebildet wird, lässt dort an einen Grabstein denken. Die Vorderseite würde dann die lebendige Ginevra zeigen, die Rückseite auf ihre Vergänglichkeit und ihren Tod verweisen.
Das rechte Auge der Ginevra ist auffällig größer als ihr linkes.
Ihr Kopf ist so kugelrund, dass er in einen Kreis gemalt zu sein scheint
Das primäre Stilmittel des Gemäldes ist der Kontrast.
Bemalung der Vorder- und Rückseite sind nicht autark, sondern durch wiederkehrende Elemente miteinander verbunden.
Die Blickrichtung der Ginevra wirkt unklar. Das liegt daran, dass das Gesicht aus mindestens zwei Perspektiven gemalt worden ist, die so zusammengeführt wurden, dass sie dennoch wie ein zusammenhängendes Ganzes wirken.
Das wird um so klarer, sobald ihre rechte und linke Gesichtshälfte abwechselnd abgedeckt wird (Mouseover). Die Trennlinie der zunächst zwei Ansichten des Kopfes lässt sich relativ klar bestimmen. Sie bildet eine Linie entlang des Mittelscheitels und dem goldenen Knopf an Ginevras Dekolleté (gelbe Punkte und orange Vertikale).
Es ist deutlich zu erkennen, dass Ginevras linke Gesichtshälfte frontal auf den Betrachter blickt. Ginevras rechte Kopfhälfte ist jedoch vom Betrachter weggedreht. Dabei wirkt ihr rechtes Auge deplaziert, denn es ist entgegen der Kopfhaltung ihrer rechten Seite frontal gemalt und außerdem zu groß im Vergleich zu ihrem linken Auge. Das wird besonders deutlich, wenn zusätzlich zu ihrer linke Körperhälfte auch ihr rechtes Auge und abgedeckt wird (Mouseover rechte Seite).
Die Idee zwei Gesichter zu einem zusammenzuführen, bzw. ein Gesicht in mehreren Perspektiven so nebeneinander darzustellen, dass sie wie eins wirken, ist für die Renaissance sehr ungewöhnlich, zumal dies im Porträt der Ginevra auch technisch in hoher Qualität ausgeführt wurde. Sogar so gut, dass es zunächst nicht weiter auffällt.
Die grundsätzliche Idee wurde in der Malerei erst im 20.Jh ausgearbeitet. Zuallererst durch die Kubisten, bekannt dafür sind vor allem die Porträts von Pablo Picasso (*1881) und Georges Braque (*1882).
Anschaulicher demonstriert jedoch Salvador Dalí (*1904) das Prinzip. Der berühmte surrealistische Maler zeigt in seinem Gesamtwerk eine stetige Auseinandersetzung mit der Kunst der Renaissance und mit der von Leonardo da Vinci im Speziellen. Er hat die Idee der mehrfachen Perspektive zur optischen Täuschung wiederholt aufgegriffen. Die unteren Darstellungen zeigen erstaunliche Parallelen zum Porträt der Ginevra de' Benci (Mittelscheitel, seitliche Locken, Brustbedeckung und der Fokus auf die rechts gelegene Landschaft).
Die Teilung des Gesichts in nur eine linke und rechte Gesichtshälfte scheint unzureichend. Es muss sich um drei Ansichten handeln, da Ginevras rechtes Auge zu keiner der beiden Hälften zu passen scheint. Es soll nun untersucht werden, entlang welcher Grenzen die drei Ansichten des Kopfes verlaufen. Eine vertikale Trennlinie wurde bereits gefunden: Mittelscheitel und goldener Knopf am Dekolleté.
Ein goldenes Rechteck ist ein spezielles Rechteck, bei dem die Seiten zueinander im Verhältnis des goldenen Schnitts stehen.
Auffällig ist die kreisrunde Darstellung von Ginevras Kopf.
Das Porträt der Ginevra de' Benci wird von zahlreichen Linien und Dreiecksformen durchzogen, die parallel und im 60° Winkel angelegt sind. Der 60° Winkel ist der Innenwinkel eines gleichseitgen Dreiecks. Die Büste der Ginevra wirkt daher insgesamt dreieckig.
Leonardo da Vinci verwendete diese Form in seinem zentralen Hauptwerk, dem letzten Abendmahl. Dort ist der Jesus Christus in ein gleichseitiges Dreieck gemalt.
Das gleichseitige Dreieck, in das die Ginevra gemalt wurde, soll nun identifiziert werden. Zur grundsätzlichen Orientierung dient eine zunächst nur gedachte Linie von ihrem Mittelscheitel hin zu ihrer Schulter (linke weiße Linie). Es wird durch klare geometrische Beziehungen gezeigt werden, dass genau dieses gleichseitige Dreieck in der Absicht des Malers lag.
Die linke Seite eines gleichseitigen Dreiecks ist nun klar definiert. Durch Spiegelung dieser Seite entlang der Mittelsenkrechten (rote Vertikale) entsteht das gesuchte gleichseitige Dreieck.
Es ist bemerkenswert elegant, wie die verschiedenen Winkel, Proportionen und Formen miteinander in Beziehung stehen. Es ist nicht möglich auch nur ein Detail zu verändern, ohne die gegenseitigen Beziehungen komplett zu zerstören.
Kreis, gleichseitiges Dreieck und Goldenes Rechteck sind typische Formen der klassischen Geometrie. Der Maler des Porträts der Ginvera de' Benci bestimmte sie zu Schablonen, in die er die drei perspektivischen Ansichten des Kopfes der Ginevra setzte (II + Mouseover).
Aus dieser Konstruktion lassen sich die unterschiedlichen Stimmungen im Ausdruck der Ginevra erklären, die viele Betrachter so fasziniert. In Wirklichkeit aber sehen sie drei verschiedene Gesichter zugleich, in verschiedenen Ausschnitten und in verschiedenen Perspektiven.
Die verschiedenen Perspektiven genau zu bestimmen ist mittels der Geometrie möglich gewesen. Der Maler gab hierfür Hinweise, indem er für die Bildgeometrie wichtige Punkte markierte, z.B. indem
Drei verschiedene Gesichtsansichten so ineinander zu setzen, dass sie wie ein Gesicht wirken, erinnert an bestimmte mittelalterliche Darstellungen die Tricephalus genannt werden.
Ein Tricephalus (Dreigesicht) ist eine heute kaum noch bekannte symbolische Darstellung der Dreieinigkeit Gottes (Trinität), die hauptsächlich im Mittelalter verwendet wurde.
Diese Art der Darstellung der Trinität wurde im Verlauf der Gegenreformation 1628 von Papst Urban VIII. verboten. In der Folge wurde dieses Symbol überall im katholischen Einflussbereich entfernt. Hier eine typische Darstellung.
Als das Tricephalus durch einen päpstlichen Erlass 1628 verboten wurde, benötigten die Gläubigen ein neues Symbol der Dreieinigkeit Gottes. Als Nachfolger des Tricephalus hat sich das Auge Gottes entwickelt.
Es zeigt ein stilisiertes Auge in einem Dreieck umgeben von einem Strahlenkranz. Das Dreieck steht für die Dreieinigkeit Gottes und ist dabei meist gleichseitig, wird aber oft auch als rechtwinkliges Dreieck dargestellt.
Jacopo Pontormo war um 1508 ein Schüler Leonardos. Pontormos bekanntes Gemälde "Mahl in Emmaus" wird häufig als die älteste Darstellung des allsehenden Auges bezeichnet.
Doch das ausstellende Museum in Florenz, die Uffizien, hat entdeckt, dass das dargestellte Auge Gottes das Ergebnis einer späteren Übermalung ist. Dem Museum zufolge befand sich an der Stelle ursprünglich ein Tricephalus. Wann genau die Übermalung stattfand, ist nicht überliefert. Übermalungen privater Gemälde müssen nicht sofort mit dem päpstlichen Verbot von 1628 durchgeführt worden sein. Sie konnten auch erst Jahrzehnte später erfolgen, z.B. anlässlich eines öffentlichen Verkaufs.
Das Symbol ist erstmals 1682 nachweisbar. Es ist auf einer Illustration abgebildet, die sich auf einer Werkausgabe der Schriften des deutschen Theologen Jakob Böhme befindet.
Auch wenn sich ältere symbolische Darstellungen von einzelnen Augen (Ägypten), Dreiecken (Israel) und Strahlenkranz (christliches Europa) finden lassen, ist das vollständige Symbol vom Auge Gottes im Dreieck und mit Strahlenkranz absolut neuartig und vor 1682 nicht nachweisbar.
Der Maler des Porträts der Ginevra de' Benci hat drei Ansichten des Gesichts der Ginevra gemalt, die an ein Tricephalus erinnern. Diese Art der Darstellung war in der Renaissance noch weit verbreitet, Leonardo hat sie sicherlich gekannt.
Wie zudem gezeigt werden konnte, hat der Maler des Porträts ihr rechtes Auge über zahlreiche geometrische Beziehungen betont, und es noch dazu in ein gleichseitiges Dreieck gesetzt. Diese Art der Darstellung erinnert an ein Auges Gottes, allein der Strahlenkranz fehlt noch.
Sollte ein solcher Strahlenkranz nachgewiesen werden können und somit die Verwendung eines Symbols, das erst 1682 erstmals nachweisbar ist, also ca. 200 Jahre nach der angenommenen Entstehung des Porträts, würde dies ernsthafte Zweifel an der Datierung und somit der Autorschaft Leonardos wecken. Denn dann müsste geklärt werden, woher Leonardo dieses Symbol kannte, und warum er es auf einem Gemälde zeigte, dass auch die Symbolik eines Tricephalus verwendet. Vermutlich würde dies nicht schlüssig gelingen und eine Datierung nach 1682 wäre zwingend.
Das Emblem auf der Rückseite des Porträts ist ebenfalls nach geometrischen Regeln konstruiert worden. Die grundlegende Dreiecksform der Vorderseite findet sich auch hier. Sie ergibt sich aus der Anordnung des Lorbeer- und Palmzweigs.
Optisch werden drei Punkte besonders betont:
Diese Punkte stehen durch die Innenwinkel des aus ihnen bestehenden Dreiecks in einer symbolischen Beziehung zueinander. Die Innenwinkel betragen 60° (rote und blaue Linie), 45° (grün und blau) und 75° (oberer Winkel). Die Symbolik bezieht sich auf die einfachsten Formen der klassischen Geometrie.
Da der 75° Winkel sich über den Innenwinkelsatz als Rest aus 180° - 60° - 45° = 75° ergibt, aber in 72° und 3 zerlegt werden kann, erhält ein solches Dreieck einen magischen Charakter. Es vereint über die Werte der Winkel symbolisch alle Grundformen der klassischen Geometrie: Kreis, gleichseitiges Dreieck, Quadrat und regelmäßiges Fünfeck. Die Konstruktion eines regelmäßigen Fünfecks ist nicht trivial und erfordert die Kenntnis des goldenen Schnitts.
Folgerichtig kommt es auch zu einem goldenen Schnitt, der bekanntesten Proportion der klassischen Geometrie
Auch ein Kreis wird gezeigt.
Das Spruchband ist mehrfach gewickelt. Dabei entstehen am Anfang und Ende Spiralen. Diese sind nicht zufällig geformt, sondern beziehen sich ebenfalls auf die Geometrie
Die Zahlen 3, 4 und 5 und daraus resultierend die geometrischen Formen des gleichseitigen Dreiecks, des Quadrats und des regelmäßigen Fünfecks sind seit den antiken Mathematikern klassische Symbole der Geometrie. Und alle diese Formen haben ihren Ursprung im Kreis. Nach dem Punkt und der Linie ist er das ursprünglichste geometrische Element. Die Geometrie drückt aus, dass alles Sein auf einfachen Harmonien und Proportionen beruht, bzw. aus der Kombination daraus. Diese Idee wurde hier aufgegriffen.
Insgesamt verweisen die geometrischen Beziehungen der Rückseite auf dieselben symbolischen Winkel und Formen, die sich auch auf der Vorderseite finden lassen. Sie unterstreichen die bereits festgestellten geometrischen Beziehungen des Gemäldes und wirken so wie eine reduzierte Version der verwendeten Symbolik.
Spätestens jetzt wird deutlich, dass es dem Maler neben der klassischen emblematischen Symbolik (Lorbeer, Palme und Wacholder) auch um eine geometrische Symbolik ging. Es ist erstaunlich, dass dies in den bisherigen Untersuchungen des Gemäldes nicht berücksichtigt wurde.
Aufgrund der allgemeinen Symmetrie auf der Rückseite, könnte angenommen werden, der Wacholder sei mittig positioniert. Dem ist jedoch nicht so. Daher wird argumentiert, das Gemälde sei links beschnitten worden.
Wird dieser Ansicht gefolgt, muss an der Rückseite links ein Stück so ergänzt werden (dunkelroter Streifen), dass sich der Wacholder genau in der Bildmitte befindet (hellrote Linie). Dieser fehlende Teil wäre dann auch auf der Vorderseite sichtbar.
Die so veränderte Bildbreite führt auf der Vorderseite erstaunlicherweise zu zahlreichen weiteren geometrischen Beziehungen.
Dieses Rechteck rückt das Porträt in die Nähe der zwei bekanntesten Gemälde Leonardo da Vincis, der Mona Lisa und Leonardos Hauptwerk, Das letzte Abendmahl. In beiden Gemälden wird das Seitenverhältnis von 2:3 prominent inszeniert.
Es entsteht außerdem ein symbolisches Kreuz.
Die Teilung in 1/3 und 1/5 verweist auf Leonardo da Vincis Initialen, L D V. Das sind die römischen Ziffern für 555, also 3 × 5.
Und schließlich ergibt sich ein regelmäßiges Sechseck (Hexagramm).
Das Sechseck wird durch eine weitere Abhängigkeit bestätigt.
Zu diesem Zeitpunkt wird klar, mit welch außerordentlich verspielter Meisterschaft, die Winkel, Proportionen und Formen ineinander greifen. Dass ein Gemälde dieser malerischen Qualität eine derart elegante Bildkonstruktion aufweist, ist in der Malerei beinah einzigartig und wird nur noch von Leonardos letztem Abendmahl übertroffen. Die für ein Gemälde sehr ungewöhnliche Bemalung der Rückseite hat also keinen bloß dekorativen Charakter. Sie dient vielmehr als vereinfachter Zugang zu einem tieferen Verständnis der Bemalung der Vorderseite.
Zwei gespiegelte und ineinander verschobene gleichseitige Dreiecke werden auch als Davidstern bezeichnet. Der Davidstern ist das bedeutendste Symbol im Judentum. Er wurde nach dem legendären jüdischen König David benannt, der ihn einer Legende nach auf seinem Schild getragen haben soll. Das Symbol sollte ihn vor Unheil bewahren und galt seit der Antike als glücksbringend.
In diesem Zusammenhang ist ein Detail der Frisur der Ginevra erwähnenswert. Ihr Haar ist streng nach hinten gekämmt. Ebenso sind die seitlichen Locken des linken Teils des Kopfes nach hinten gebunden.
An der rechten Seite ihres Kopfes hängt jedoch eine einzige Locke herab. Sie ist zudem auffallend heller gemalt, als der Rest der Frisur. Der Maler hat diese einzelne Locke also betonen wollen. Sie ist auch der einzige Teil der Frisur, der sich innerhalb des aus II bekannten Dreiecks befindet.
Die Art der Darstellung erinnert an eine Schläfenlocke (hebr. Peot). Schläfenlocken haben vor allem im Judentum eine religiöse Bedeutung und beziehen sich auf das Verbot die Haare zu schneiden (Lev 19,27).
Es entsteht ein immer zusammenhängenderes Bild von Verweisen auf andere Leonardo Werke, die das Porträt der Ginevra de' Benci mit Leonardo da Vinci in Verbindung bringen können. Denn auch die Schläfe ist im Abendmahl prominent in Szene gesetzt.
Die Perspektivlinien laufen nicht wie allgemein angenommen im rechten Auge des Jesus zusammen, sondern der Fluchtpunkt befindet sich an seiner rechten Schläfe. Es ist dort heute noch die Einschlagstelle des Nagels zu erkennen, den Leonardo benutzte, um die Fäden zu spannen.
Der Maler des Porträts der Ginevra de' Benci hat bisher streng auf die Verwendung von Symbolen und Proportionen der klassischen Geometrie geachtet.
Die Art der Inszenierung von Hexagramm und Kreuz kann jedoch nur in einem religiösen Kontext verstanden werden. Davidstern und Kreuz sind die jeweils bekanntesten Symbole für das Juden- bzw. Christentum. Diesen zwei großen Weltreligionen ist gemeinsam, dass sie ihren Ursprung in der Bibel haben.
Es gibt allerdings noch eine dritte Weltreligion, die im Zusammenhang mit der Bibel steht, den Islam. Das Symbol des Islams ist die Mondsichel mit fünfeckigem Stern (Hilal).
Durch die osmanischen Eroberungen in Südeuropa bis zum 17. Jh. – Wien wurde 1683 erfolglos belagert – waren die islamischen Osmanen für einige europäische Nationen zum direkten Nachbarn geworden, unter anderem für die italienischen.
In Anbetracht des osmanischen Einflusses auf die Kultur Europas und der bisherigen Bedeutung der Zahl 3 wäre es folgerichtig, neben Kreuz und Davidstern auch den Hilal als drittes religiöses Symbol in dem Gemälde anzunehmen.
Der Hilal (arab. Mondsichel) ist das bedeutendste religiöse Symbol im Islam. Er zeigt die stilisierte Sichel des Mondes und kann nach rechts oder links ausgerichtet sein. Es handelt sich dann entweder um die zunehmende oder die abnehmende Mondphase. Der Hilal wird meist in Verbindung mit einem oder mehreren Sternen dargestellt.
Obwohl die echte Mondsichel nie breiter sein kann als eine Mondhälfte, wird das Symbol teilweise überrund gezeichnet. Meist umschließt der Mondkreis dann einen oder mehrere fünfzackige Sterne.
Über die geometrischen Beziehungen im Gemälde lässt sich ein Hilal konstruieren.
Bei genauerer Betrachtung der Landschaft fällt die kreisrunde Form der Hügel auf (gelbe Kreisbögen). Es handelt sich tatsächlich um Kreisausschnitte. Aus der Konstruktion von deren Mittelpunkten ergibt sich der Hilal mit fünfzackigen Stern.
Erster Kreis (vorderer Hügel)
Zweiter Kreis (hinterer Hügel)
Fünfzackiger Stern
Hilal
Analog zu der geometrischen Konstruktion von Hexagon und Kreuz unterliegt also auch die Konstruktion der Mondsichel einem System von harmonischen Proportionen, Winkeln und Formen.
Es ist nun augenfällig, dass es dem Maler um die Darstellung religiöser Symbole ging (Mouseover). Davidstern, Kreuz und Hilal sind die Symbole der drei großen europäischen Religionen: Judentum, Christentum und Islam.
Durch die Art der Anordnung der Symbole entsteht der Eindruck einer Chronologie. Ein kleinerer Davidstern, ein größeres christliches Kreuz und schließlich ein islamischer Hilal im Vordergrund. Das Judentum ist dabei die älteste Religion (ca. 2000 v. Chr.), gefolgt vom Christentum (ca. 30 n.Chr), auf das der Islam folgte (ca. 610n. Chr.).
Alle drei Religionen haben starke Bezüge zur Astronomie. Die Position von Sonne und Mond spielt eine zentrale Rolle bei der Bestimmung von deren höchsten Feiertagen.
Wesentlich für die Bestimmung dieser Daten ist die Astronomie und damit die Kenntnis der Geometrie (altgr. Erdvermessung).
Für die Konstruktion der religiösen Symbole im Porträt der Ginevra de' Benci waren drei Kreise notwendig. Deren Anordnung und die Konstruktionslinien lassen an eine astronomische Skizze von Sonne, Mond und Erde denken.
Ginevra ist die italienische Bezeichnung der Schweizer Stadt Genf. Ginevras Vater Amerigo Benci leitete zur Zeit von Ginevras Geburt die Medici Bank in Genf. Die Stadt liegt sehr nahe am 45. Breitengrad (46,2°). Die Abweichung ist mit ca. 130km nur sehr gering (0,65%). Von allen Orten auf dem 45. Breitengrad, ist Turin die bekannteste. Die Stadt befindet sich mit 45,1° annähernd exakt auf diesem Winkel.
Mekka, die Geburtsstadt des Propheten Mohammed und heute Wallfahrtsort aller Muslime, ist eng mit dem goldenen Schnitt verbunden. Die Stadt befindet sich hinsichtlich ihrer Position zwischen Nord- und Südpol im goldenen Schnitt (obere Abbildung).
Mekka und Genf befinden sich also hinsichtlich ihrer Position auf der Erdoberfläche in einer für die Geometrie symbolischen Lage. Genf ist mit dem 45° Winkel verbunden (Diagonale von Quadraten) und Mekka mit dem goldenen Schnitt (regelmäßige Fünfecke).
Es ist nun offensichtlich, dass der vordere große Kreis die Erde symbolisiert, da auf ihm zwei Winkel markiert wurden, die auf bedeutende historische Orte zeigen. Der eine steht mit Ginevras Geburt in Zusammenhang (Genf), der andere mit der Geburt des Propheten Mohammed.
Damit müssen die drei Kreise nun als Sonne, Mond und Erde gedeutet werden. Dass sich aus den geometrischen Beziehungen im Gemälde außerdem die Symbole der drei großen europäischen Religionen ergeben, Davidstern, Kreuz und Hilal, verblüfft. Vergleichbar komplexe geometrische Beziehungen finden sich sonst nur in Leonardos Darstellung vom letzten Abendmahl.
Der Maler des Porträts der Ginevra de' Benci hat nicht nur über die verwendete Symbolik und geometrische Beziehungen inhaltliche Ebenen hinzugefügt. Er verwendete ebenso Doppelbilder.
Doppelbilder sind ein klassisches Mittel der Malerei, um über das zunächst Erkennbare hinaus den Sinn der Gemälde zu erweitern, bzw. deren Deutung zu konkretisieren. Ihre Verwendung ist seit der frühen Renaissance bekannt. Doch bereits mittelalterliche Zeichnungen zeigen diese Form der Ästhetik.
Der surrealistische Maler Salvador Dalí († 1989) gilt für die Moderne als der bedeutendste Künstler auf diesem Gebiet.
Der Wacholder ist nicht nach der Natur gemalt. Der Stiel eines Wacholderzweiges ist in der Natur sehr viel breiter als die Nadeln. Die Strichführung erinnert so an Kreuzschraffuren im Stil einer Zeichnung.
Ein Wacholder ist zudem nie so braun und schwarz, wie in dem Gemälde. Bei der Ausführung des Wacholders handelt es sich also um ein stilistisches Mittel, mit der Absicht starke Hell-Dunkel Kontraste und feine sich kreuzende Linien einzuführen.
Wird der Blick nun auf den hellen Fleck im linken unteren Bereich des Wacholders fokussiert, entsteht der Eindruck eines frontal gemalten, scharf nach rechts blickenden Gesichts. Die Person wird von links vorn her beleuchtet und trägt ein sehr schräg sitzendes Barett, das exakt im 60° Winkel die rechte Hälfte des Gesichts begrenzt. Die Darstellung erinnert an die Selbstporträts des niederländischen Malers Rembrandt van Rijn († 1669).
Die Blickrichtung des Porträts im Wacholder ist klar erkennbar und zielt auf den Kirchturm des Dorfes im Hintergrund der Landschaft (roter Punkt).
Auffällig sind die nach rechts geneigten Bäume und Gebäude im Hintergrund der Landschaft
Der Zahlwert der Winkel weist also auf die Kreisform hin. Denn die Kreiszahl Pi (~3,14) gibt den Umfang eines Kreises mit dem Durchmesser von 1 an.
Hinter dem Kirchturm befindet sich ein monochrom blauer, kreisrunder Hügel (dunkelblaue Linie). Es handelt sich auch bei diesem Hügel um einen Kreisausschnitt.
Die überzeichnet monochrome Darstellung des letzten blauen Hügels, der sich als erdrunder Kreis in der Landschaft erhebt, muss den Betrachter als gemalter Wasserberg erscheinen, der sich als eine gewaltige überdimensionale und allesverschlingende Flutwelle hinter dem Dorf erhebt.
Die unnatürlich nach rechts geneigten Bäume und Gebäude verstärken den stürmischen Eindruck der Szenerie.
Dass dazu der gelassene Blick des Porträts im Wacholder speziell auf den Kirchturm zielt, gibt dem sintflutartigen Eindruck im Bildhintergrund nun einen politischen Charakter. Denn die drei Gebäude sind als Dorf im Gesamten ein Symbol für die Ständepyramide Europas, wie oben gezeigt wurde. Sie stehen für die Bauern (Mühle), die Kirche (Kirchturm) und den Adel (Felsenburg am rechten Bildrand).
Ab ca. 1700 kam es mit der Aufklärung zu einer breiten philosophischen Bewegung, die im wesentlichen zwei Dinge forderte. Zum einen die Unabhängigkeit der Wissenschaft von kirchlichen Glaubenssätzen. Zum anderen die Abschaffung der Adelsprivilegien. Es handelte sich also um eine zunächst geistige Revolution des dritten Standes – gebildete Bürger und Bauern – gegen die Vorherrschaft der anderen zwei Stände, Kirche und Adel. Die drei Stände werden durch die drei Gebäude der Landschaft symbolisiert.
Die Aufklärung erreichte ihren politischen Höhepunkt mit der Unabhängigkeitserklärung der USA (1776) und der wenige Jahre später erfolgten französischen Revolution (1789). Im Ergebnis sagten sich die Bürger der USA vom englischen König los, während die Bürger Frankreichs per Verfassung unveräußerliche Menschenrechte zugesprochen bekamen.
Die Rechte der Kirche wurden ebenfalls stark eingeschränkt, so sehr, dass der aus der französischen Revolution hervorgehende Napoleon 1809 sogar den Papst inhaftieren konnte.
Die Aufklärung muss so als Sturm begriffen werden, der die 1000 Jahre alte ständische Ordnung Europas hinweggefegt hat. Die Flutwelle im Gemälde, die sich hinter dem Dorf aufbaut, steht sinnbildlich für diesen Umbruch.
Neben der geometrischen Andeutung des allsehenen Auges in II, das erstmals 1682 nachweisbar ist, stellt sich erneut die Frage nach der Autorschaft Leonardos. Hat er bereits um 1474 die politischen Ideen prophezeit, die zu der Aufklärung und eng damit verbunden der amerikanischen (1776) sowie der französischen Revolution (1789) führten und sie in das Gemälde eingebracht? Seinerzeit war die Beseitigung der gottgewollten Ständeordnung eine weltfremde Utopie.
Lorbeer- und Palmblatt auf der Rückseite des Gemäldes haben in dieser Form der Darstellung einen politischen Charakter und meinen einen politischen Triumph. Ist das Werk in Vorahnung dieses Triumphes über Adel und Kirche entstanden? Dann wäre es ein wahrhaft prophetisches Werk Leonardo da Vincis. Oder ist es nachvollziehbarer, dass es unmittelbar nach dem revolutionären Triumph des amerikanischen und französischen Bürgertums entstanden ist?
Dann wäre eine Datierung auf ca. 1776-1805 wahrscheinlicher und die These einer Autorschaft Leonardos nicht länger haltbar. 1805 wurde das Gemälde erstmals öffentlich ausgestellt. Davor gibt es nur eine Handvoll ungenauer Erwähnungen.
Es ist jedoch unbestreitbar, dass das Gemälde für Leonardos Malerei typische Merkmale aufweist, zum Beispiel:
Wenn es sich also nicht um ein Werk Leonardo da Vincis handelt, hat der Maler große Mühe darauf verwendet, es rein formal wie eines wirken zu lassen. Das ließe dann auf eine bewusste Fälschung schließen.
Ebenso exisitieren nur sehr wenige Dokumente, die das Gemälde mit Ginvera de' Benci und Bernardo Bembo in Verbindung bringen (z.B. das persönliche Siegel Bembos). Sie wären für einen gut vernetzten und erfinderischen Geist leicht zu fälschen gewesen.
Der Artikel befindet sich ab hier in der Überarbeitung.
Mehr als 500 Jahre nachdem sie gemalt wurde, sitzt Ginevra stolz vor ihrem Wacholderbaum, eine halbe Welt entfernt von der Stadt, in der sie lebte, in einem Land, von dem sie nicht einmal wusste, dass es existiert.
“Ginevra’s Story” ist die einzige und umfangreichste filmische Dokumentation unter Mitwirkung der National Gallery of Art, des ausstellenden Museums. Für die knapp einstündige Dokumentation über das Bildnis der Ginevra de’ Benci wurde die Schauspielerin Meryl Streep als Sprecherin engagiert. Der Film erzählt die Geschichte des Gemäldes aus der Perspektive des Museums und geht auf einige Besonderheiten der Darstellung ein. In einigen Szenen wird das Gemälde in seinem Originalzustand gezeigt, also ohne Rahmung (Vorderseite: 22:48, Rückseite: 32:30). Angesichts der unzähligen Experten, die an der Dokumentation des Museums mitwirkten, ist es bemerkenswert, dass die Untersuchung der Bildgeometrie des Gemäldes dort völlig vernachlässigt wurde.
Website des ausstellenden Museums: National Gallery of Art, Washington D.C.
Frank Zöllner, Leonardo, Taschen (2019)
Martin Kemp, Leonardo, C.H. Beck (2008)
Charles Niccholl, Leonardo da Vinci: Die Biographie, Fischer (2019)
Johannes Itten, Bildanalysen, Ravensburger (1988)
Euklid, Die Elemente, Verlag Europa Lehrmittel (2015)
Luca Pacioli, Divina Proportione, Die Lehre vom goldenen Schnitt, Forgotten Books (2018)
Besonders empfehlenswert
Marianne Schneider, Das große Leonardo Buch – Sein Leben und Werk in Zeugnissen, Selbstzeugnissen und Dokumenten, Schirmer/ Mosel (2019)
Leonardo da Vinci, Schriften zur Malerei und sämtliche Gemälde, Schirmer/ Mosel (2011)
